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Filmografía seleccionada
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Domingo 25 de febrero, 18.00 h
ABSTRACTOS
JOURS EN FLEURS ( Louise Bourque, 2003, 4'30”)
LOUISE BOURQUE, 2003, 4.5 min, 35mm, Canadá.
Este corto excepcional adquiere un tono rojizo-anaranjado tras haber sido sumergido en la sangre de la menstruación de la directora durante un periodo prolongado.
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L' ÉCLAT DU MAL / THE BLEEDING HEART OF IT
LOUISE BOURQUE, 2005, 8 min, 35mm, Canadá.
A partir de películas caseras filmadas por su padre, Bourque crea una visión abstracta de colores y texturas exuberantes en la que están presentes los residuos de frases o pensamientos, vividos o imaginados en torno a la pérdida de la inocencia que perseveran en el inconsciente.
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a DARKNESS SWALLOWED
BETZY BROMBERG, 2005, 78 min, EUA.
Bromberg, cineasta experimental de Los Angeles, presenta su última joya, a Darkness Swallowed , una meditación de 78 minutos sobre la fugacidad de la memoria y la pérdida. Es su obra más elíptica y a su vez más explícita en una carrera profesional de más de trenta años y más de una docena de obras deslumbrantes. a Darkness Swallowed comienza con dos fotografías en blanco y negro que presentan la imagen de un coche chamuscado, en una de las fotos aparece un niño, en la otra no. En voz en off , Bromberg relata un suceso del pasado, cuya presencia le marcará la vida entera, a pesar de que fue anterior a su fecha de nacimiento. A partir de aquí el film empieza a descender, buceando bajo la superficie del mundo racional para extraer lo que viene a ser una infinitud de capas de memoria, almacenadas en las entrañas de la carne, huesos calcáreos, telas de araña y los ligamentos retorcidos, tanto del cuerpo humano, como de la Tierra. Ruidos de metal en movimiento, campanas, latidos del corazón, y jazz, entre otros, se combinan creando un ambiente sonoro denso, lo que aparece como un espacio inmenso y tridimensional de contemplación. Al igual que en el resto de los films de Bromberg, aparecen imágenes que una vez vistas se graban para siempre, y está también el color, siempre saturado y denso, para saborearlo poco a poco. Dedicado a la madre de la cineasta, el film es a su vez un regalo para nosotras/os, para recordarnos el origen orgánico del cine, química y luz, y en la capacidad que tiene de arrastrarnos hacia dentro. Holly Wilis.
Comentario de la Directora
a Darkness Swallowed supuso seis años y medio de trabajo, de 1998 a 2005. Lo cual no es inusual ya que hago casi todo el trabajo sola y trabajo a jornada completa para poder financiar mi obra y mi vida. Mi último film, Divinity Gratis , (1996) llevó siete años de trabajo. Para a Darkness Swallowed , estuve tres años recogiendo imágenes, un año montando y un año y medio componiendo la banda sonora. El film estaba casi terminado en el 2004, pero dadas ciertas complicaciones con los laboratorios, y la desaparición de material de impresión de 16mm para las copias finales, no recibí el film finalizado hasta el 2005.
a Darkness Swallowed es un film profundamente personal, aunque no creo necesario para el público, conocer la historia particular de la que trata. Todos hemos vivido la pérdida, visto así, a Darkness Swallowed presenta un tema universal. El film es una ilustración poética de cómo los rastros de la memoria están arraigados tanto en el cuerpo como en la mente. El film visualiza una dimensión interior que lentamente, casi imperceptiblemente se va transformando de vida en muerte y en vida otra vez.
La narración y las dos fotografías que inauguran el film ponen en contexto todo lo que viene después, la estructura desafía las expectativas convencionales ya que una narración clara al principio de una película prepara al espectador/a para una historia de ficción. Sin embargo,
a Darkness Swallowed , desarrolla rápidamente un viaje profundamente interior, y lentamente guía al espectador/a por una lenta experiencia visceral. En ocasiones las imágenes son reconocibles pero la mayoría del tiempo no son identificables. “La banda sonora, inquietante y de textura compleja dibuja el viaje de este film a través de un paisaje surrealista y metafórico”. Al final, la oscuridad deja paso a la luz y lo inerte se convierte en fluido.
He tenido el placer de colaborar con una serie de músicos y artistas de talento excepcional, concretamente Dane Davis, Zach Setter, Jean-Pierre Bedoyan, Paul Cutler y Pam Aronof. Han contribuido con un brillo y un aura extraordinarios al mundo sonoro de la película, lo cual es parte integral y esencial de la misma.
Cuando comencé a rodar a Darkness Swallowed , quedó claro que el celuloide en 16mm (y después en 35mm) están desapareciendo. Amo el celuloide, y el medio de 16mm me proporciona la capacidad de hacer casi todo el trabajo yo misma. Al darme cuenta de que puede que a Darkness Swallowed sea mi última obra terminada en 16mm, sentí la necesidad de exprimir e ir en contra de los limites del medio tanto conceptual como técnicamente. No hay nada, en mi opinión, más extraordinario que la calidad orgánica del celuloide, la belleza luminosa de la luz en su travesía por las capas de emulsión.Betzy Bromberg entrevistada por Laida Lertxundi, 15 de Enero, 2006.
LL: Las descripciones de a Darkness Swallowed en festivales y críticas intentan desesperadamente buscar las palabras con las que definir o identificar las imágenes de film. Me he fijado que han utilizado frases como “paisaje alienígena” , y que más adelante tú lo definiste como “un musical bio-metafísico”. En mi opinión todo intento de definir las imágenes de este film verbalmente es inútil y me parece más interesante el centrarme en el tipo de experiencia que el film me proporciona.
Betzy Bromberg: Creo que es un film hecho para la experiencia, que es muy difícil de definir verbalmente, es casi como una composición musical, a no ser que seas músico y entiendas cada línea musical, es muy difícil encontrar una estructura descriptible en una pieza tan abstracta. Las imágenes no son identificables. El espectador que intente identificar las imágenes se puede perder. Si accedes al film es desde un ángulo más profundo, dejando que el film te guíe por una experiencia interior.
LL: Considero ésta tu obra más abstracta hasta la fecha. Divinity Gratis era también un film abstracto tanto en lo que se refiere a la estructura como al tipo de imagen y a la manera de tratar el contenido pero aún así sé que habla del mundo, de sensaciones reconocibles para la persona en la sociedad, enajenación, etc. Al tener imágenes reconocibles, el ojo reposa en significantes, símbolos. El nuevo film ( a Darkness Swallowed ), no tiene puntuaciones concretas, lo cual altera considerablemente la percepción temporal del film
BB: Sí, Divinity Gratis te lleva a un viaje exterior y a Darkness Swallowed te proporciona un viaje interior, por tu interior, si estás dispuesta a ello ¡claro! El film existe en el espacio entre las dos fotografías del principio. En la primera aparece un niño/a junto a un coche, en la segunda sigue estando el coche pero el niño ha desaparecido. ¿Cómo es posible, que alguien esté y deje de estar, sea y deje de ser? La gente deja de existir, todos dejamos de existir, es un hecho y a la vez es algo incomprensible. El film intenta encarnar ese viaje que es la pérdida. Para explicarlo claramente, el film representa un ser viviente al que se le escapa la vida, y tras un periodo de falta de vida, vuelve la vida. Para concretar, diría que es un film acerca de la muerte de un niño/a, que representa la muerte de un niño/a antes de mi nacimiento. Mientras mi madre lloraba la pérdida de su hijo/a, mi vida se estaba gestando en su interior, así que para mí el film es el intento de representar la experiencia de estar en el interior de mi madre mientras ella lloraba la pérdida de otro ser humano. Me costó muchos años encontrar la fuerza necesaria para hacer este film. Lo más irónico es que a pesar de que está dedicado a mi madre, no se lo podría enseñar a mis padres porque lo pasarían demasiado mal.
LL: Para mí la experiencia del film no me indicaba tanto una historia personal, o relato de una muerte, sino que su abstracción para mí era una ejercicio de percepción extrema, de estar en un espacio íntimo en el que ver. En cuanto al resto de tu obra, a pesar de ser cine que responde al cine, no parece que te propongas hacer referencia a otros cineastas u otros movimientos dentro de la historia del cine experimental.
BB: Nunca me he interesado por hacer referencia a otros films, nunca escogí ser cineasta como una carrera profesional, no tiene sentido en el mundo real ser cineasta de cine experimental, es simplemente lo que quería hacer con mi vida. Me suele pasar que no me enganchan los films que tratan de otros films, el contenido de mis films está en la experiencia vital, la vida es tan fascinante, devastadora, brutal, luminosa..., mi intención ha sido siempre vivir y utilizar fragmentos de mi vida para mi obra, es cierto que varios de mis films hacen referencia al clima político del que forman parte. Phil Solomon, dice que es mejor no hacer cine que concierna concretamente a su momento histórico, mejor no tratar de nada social. Pero a mí me interesan los films como documentos de un momento, marcan un momento histórico de una manera particular que sólo el cine puede hacer.
LL: Soy consciente de que este film fue terriblemente difícil de finalizar.
BB: Sí, es cierto, este film intentó matarme. El montaje fue de una complejidad extrema ya que era casi imposible incluso numerar cada toma. Además la realización de este film me ha hecho consciente de que el medio de 16mm está desapareciendo, mi laboratorio quebró antes de terminar la copia final del film. Mi nuevo laboratorio que es el único laboratorio de 16mm, se mantiene a flote gracias a dos grandes clientes, uno es el ejército, y el otro es una productora perteneciente a un grupo religioso denominado coloquialmente “The Jesus People” que realizan films “educativos” para el público americano en 16mm. El ejército sigue reduciendo las películas de ficción con las que entretienen a las tropas, de 35mm a 16mm, y las proyectan en 16mm, es un factor importante en la supervivencia del medio hoy en día.
BB: Todos/as las que queramos continuar trabajando en 16mm lo tenemos difícil, tenemos que reposicionarnos. Pero yo no lo voy a dejar hasta que desaparezca del todo.
LL: Al seguir el rastro de los lugares por los que ha pasado el film, me he dado cuenta de que ha viajado por todo el mundo, Corea, Argentina, Grecia, etc. Lo cual contrasta con la idea de que un film abstracto es más inaccesible para mucha gente. Parece que la abstracción del film, de alguna manera, lo abre a gente de lugares muy lejanos a los pocos rincones de cine experimental dentro de los EUA.
BB: Dado que el film no se sostiene en la palabra, todo el que quiera embarcar-se en el viaje no verbal que el film proporciona, puede hacerlo, sea dónde sea.
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Jours en Fleur, Louise Bourque, 2003, 4'30', 35mm (I)
L'Eclat du Mal, Louise Bourque, 2005, 8', 35mm (II)
a Darkness Swallowed, Betzy Bromberg, 2005, 78', 16mm (III)
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